Einführung zur Ausstellung
Die P61 Gallery präsentiert „What Time Is [Your] Color? – Bosphorus: A Field of Becoming“, eine neue Ausstellung von Faruk Bil und dem Computerkünstler Calin Segal, die am 5. Juni 2026 eröffnet wird und bis September zu sehen ist. Die Ausstellung nutzt beide Etagen der Galerie in der Potsdamer Straße 61 in vier Phasen. RAUM A–B: DAS ARCHIV Fast 10.000 Oberflächenfotografien des Bosporus, alle aufgenommen vom selben Aussichtspunkt: Breitengrad 41,0708, Längengrad 29,0564 – Faruk Bils lebenslanges Zuhause am Ufer. Doch das Archiv hatte eine Grenze: ein Blick, ein Leben. Um darüber hinauszugehen, musste sich das Werk öffnen. RAUM C: DIE BEGEGNUNG Besucher wählen ein Foto aus dem Archiv aus und bringen es in die gegenwärtige Begegnung ein. Sie wählen Farben aus, die es zuvor noch nie gegeben hat, und diese Farben beginnen, ein neues Bild des Bosporus zu erzeugen. Der Betrachter wird sowohl zum Akteur als auch zum Subjekt eines sich ständig wandelnden Feldes des Werdens. In Zusammenarbeit mit Calin Segal trat das Projekt in seine generative Phase ein. Segal entwickelte ein System, das es jedem Besucher ermöglicht, durch Bils Fenster zu blicken und zur Entfaltung des Werks beizutragen. Über eine Schnittstelle interagieren die Betrachter mit dem Archivmaterial; das System erfasst ihre Auswahl, extrahiert ihr Farbfeld und generiert – innerhalb von Sekunden – ein neues Bild des Bosporus. Kein Moment ist statisch. Keine Farbe wiederholt sich. Jede Begegnung wird durch das genaue Datum und die Uhrzeit der Anwesenheit des Betrachters kodiert. RAUM D: DER ÜBERGANG Die Betrachter werden Zeugen, wie ein Bild in ein anderes übergeht. Das Werk verharre nie in einem festen Zustand. Ein Moment speist den nächsten. RAUM E: DER FLUSS DER ZUKUNFTEN Durch die Begegnungen der Besucher entsteht kontinuierlich ein neues Archiv. Die Erfahrung offenbart eine synthetische Zukunft, die sich auf ihrer eigenen Vergangenheit aufbaut. Nichts bleibt stabil. Alles ist im Fluss. Die Erfahrung markiert eine entscheidende Loslösung sowohl von vorgegebenen Narrativen normativer Begegnungen als auch von der digitalen Schleife, die das Betrachten auf begrenzte Datenzyklen reduziert. Ihre lebendige Architektur lehnt Gleichförmigkeit ab und schätzt Vielfalt, Divergenz und Emergenz bei der Enthüllung der Zukunft. Bils These – dass Kunst und die menschliche Reise miteinander verbunden sind und dass Kunst nur dann neue Möglichkeiten für die menschliche Existenz erschließen kann, wenn sie von auferlegten Sehweisen emanzipiert ist – wird hier zu einer lebendigen Erfahrung. Das Werk steht in Resonanz mit einer langen künstlerischen Tradition: Postimpressionisten auf der Suche nach der Wahrheit in der Wahrnehmung, Romantiker auf der Suche nach dem Erhabenen in der gelebten Erfahrung, Baudelaire, der mit überlieferten Codes bricht, um die Moderne im flüchtigen Moment zu offenbaren. Doch es geht über sie hinaus. Die Urheberschaft liegt hier nicht beim Künstler. Sie ist verteilt, gemeinschaftlich und kontinuierlich. Solange eine Präsenz im Raum verbleibt, endet das Werk nicht.
Die Künstler
Faruk Bil, PhD, Faruk Bils existenzielle Frage drehte sich um die Zeit: Kann man wirklich existieren, wenn man lediglich als Vertreter des Vorherbestimmten fungiert? Eine ungewöhnliche Freundschaft aus Kindertagen mit einem jungen Wirtschaftsprofessor verwandelte die Nachmittage am Bosporus in spontane Vorlesungen am Collège de France über Sartre, Arbeitswert, Verhalten, Modernität und die Systeme, die das menschliche Leben organisieren.
Die Galatasaray-Oberschule vermittelte ihm die Werkzeuge für kritisches Lesen und eine Grundlage der Freiheit, während sein Studium der Wirtschaftswissenschaften (BA, MA 1983) ihn mit der Sprache der Analyse ausstattete. Fünfundzwanzig Jahre in der Werbebranche vertieften Bils Beobachtungen zur künstlichen Uniformität. Als Autodidakt in der Kunst promovierte er 2020 in Bildender Kunst, während er an der Yeditepe-Universität Semiotik lehrte. In seiner Dissertation *The Utility of Encountering Art in the Public Sphere* argumentierte er, dass je mehr die Existenz durch festgelegte Narrative eingeschränkt wird, desto weniger Raum bleibt für Freiheit und Menschenwürde.
Calin Segal
Calin Segal studierte Architektur in Paris und begann seine Karriere mit der Planung humanitärer Projekte, bevor er sich den computergestützten Medien zuwandte. All diese Erfahrungen verbindet ein roter Faden: eine unermüdliche, fast kindliche Neugier darauf, wie Dinge funktionieren und was geschieht, wenn komplexe Systeme auseinandergenommen und auf ungewohnte Weise neu zusammengesetzt werden.
Calins Praxis betrachtet Forschung, Untersuchung und Analyse als kreative Handlungen. Er untersucht ökologische Prozesse, algorithmische Logiken und soziale Systeme, um zu verstehen, wie sie sich verhalten, wenn sie reduziert, abstrahiert und in Gang gesetzt werden. Seine Arbeiten entstehen aus der Verfolgung von Interaktionen, Rückkopplungen und Akkumulationen, wobei die Ergebnisse weniger von der Absicht als vielmehr von den zugrunde liegenden Beziehungen geprägt sind.
Calin schafft Installationen und Skulpturen, die auf computergestützten Modellen basieren und als metaphorische, mathematische Annäherungen an größere Systeme fungieren. Diese Umgebungen fungieren als computergestützte Anekdoten: bewusst vereinfachte Welten, in denen sich systemische Dynamiken entfalten, wahrnehmbar werden und erlebt statt erklärt werden können.
Ausstellungen sind als temporäre Untersuchungsräume konzipiert. Die Betrachter sind eingeladen, diese konstruierten Systeme zu erkunden und dabei auf Teilwahrheiten, Instabilität und emergentes Verhalten zu stoßen. Anstatt Schlussfolgerungen anzubieten, fördert das Werk Aufmerksamkeit und Neugier und ermöglicht es, dass sich Verständnis durch Interaktion im Laufe der Zeit entwickelt.
Obwohl Calin noch am Anfang seiner Karriere steht, hat er eine Reihe wegweisender Werke geschaffen, die seinen Ansatz verdeutlichen, darunter „Digital Mental Transposition“ für die Nuit Blanche Paris (2018), „Path to Heaven“ in der Enric Miralles Foundation (2019), „Planet LEV“ für das LEV Festival im Matadero (2020), „Binary Deconstruction“ beim Geneva Mapping Festival (2022), „Tales from the Receding Edge“ beim G7-Forum in Bologna (2023) und „Whispers“ bei der Ars Electronica (2025).
Er wurde zudem zu renommierten internationalen Forschungsresidenzen eingeladen, darunter V2_ in Rotterdam, S+T+ARTS VOJEXT, das CYENS Centre of Excellence auf Zypern, S+T+ARTS GRIN am CINECA in Italien, den European Digital Deal in Zaragoza City of Knowledge, Diriyah Art Futures in Saudi-Arabien sowie die Fondazione Giorgio Cini in Venedig, das Medialab-Matadero Madrid und die JRC SciArt-Residenz 2026.
Warum P61, warum jetzt.
Die P61 Gallery und „What Time Is [Your] Color?“ treffen an einem seltenen Schnittpunkt aufeinander, an dem eine digitale Umgebung in Museumsqualität und eine konzeptionell verankerte experimentelle Kunstpraxis zu einer interaktiven und generativen Form der aufschlussreichen Begegnung verschmelzen. Die Identität der Galerie als Berliner Raum, der sich der digitalen und zeitbasierten Kunst widmet, ihre über 50 4K-Displays und ihre HD-LED-Architektur sowie ihre Lage an der Potsdamer Straße – einst Trennlinie zweier Systeme – vereinen nun das Berliner Publikum zu einer emanzipatorischen Erfahrung der Begegnung mit Kunst. P61 ermöglicht die Ökologie einer synthetischen Zukunft in Zeit und Raum und baut auf den Erfahrungen des Bosporus auf, um sich zu einer lebendigen und sich ständig wandelnden Begegnung mit dem Berliner Publikum für zeitgenössische Kunst zu entfalten.
Faruk Bil und Calin Segal betrachten Technologie nicht als Spektakel, sondern als Medium der Emanzipation – eine Loslösung von vorbestimmten Betrachtungsformen, bei der die Begegnung selbst zu einem lebendigen Feld des Werdens wird.
_edited.jpg){kind=small}
_edited.jpg){kind=small}
_edited.png){kind=small}
